La nostalgia di essere Kevin Smith

 

Oggi un post un po' fuori dall'usuale.

Ho passato l'ultimo mese a guardare, in ordine un po' sparso, la filmografia da regista di Kevin Smith, nome che non ha bisogno di presentazioni e, a mani basse, il regista indipendente più promettente negli anni '90. Il suo primo film, Clerks, è nato nel 1994 e lo ha immediatamente consacrato. Un film che, al di là della storia personale del regista, è riuscito ad essere la voce di un'intera generazione e, forse ancora più forte, a rappresentare uno spaccato culturale che è quello, appunto, del New Jersey. Non a caso, il suo filone più riuscito è proprio quello della Trilogia del New Jersey, che vede come titoli proprio Clerks, Mallrats e Chasing Amy, trilogia che ha poi fatto nascere il View Askewniverse, il suo universo cinematico che comprende, oltre ai tre già citati, film come Dogma e Jay & Silent Bob Strike Back, con i protagonisti di quest'ultimo che fanno da unico vero filo conduttore (al di là di vari nomi ricorrenti, eventi citati e attori che tornano in brevi cameo). Un predecessore del Marvel Cinematic Universe, si può dire, con la differenza che Smith proponeva piccoli film d'autore e non battaglie tra supereroi. Smith è stato, per oltre un decennio e mezzo, il portavoce della cultura nerd quando questa non era ancora entrata nel circuito mainstream. Mallrats è forse il film che è più riconoscibile per questo motivo - se non lo fosse già stato per i lunghi sproloqui su Star Wars in Clerks. Ma cos'è successo, poi, a Kevin Smith? Il regista più promettente degli anni '90 non è mai più riuscito ad eguagliare quel successo avuto con i suoi primi film. Ma è stata solo la sua sfortuna o un enorme, deludente, fuoco di paglia? Ebbene, dopo aver fatto la pancia piena della sua filmografia, la mia risposta l'ho trovata. Ed è stata molto deludente e piena di rammarico.

Il suo punto di forza e i primi fallimenti.
Come ho già detto su, la Trilogia del New Jersey è stato sicuramente il suo picco più alto, ad inizio carriera e ad un'età relativamente giovane. A mio parere, Smith non è mai stato un gran regista. Non è riconoscibile, non introduce tecniche accattivanti e la sua regia non parla a sé. Ciò che Smith è stato è sicuramente un grande scrittore. Sceneggiatore? Riparliamone. Scrittore, sì. Dialoghista, nello specifico. Prendendo come esempio Clerks, quel film è una sequenza di avvenimenti che tendenzialmente non porta quasi da nessuna parte. I personaggi rimangono fermi, non maturano veramente del tutto e la loro vita prosegue inesorabilmente allo stesso modo in cui era all'inizio del film. Solo singoli eventi hanno un seguito più avanti nel film e ricollegano il tutto (la partita di hockey sul terrazzo, la bambina che fuma una sigaretta, l'uomo che si chiude nel bagno del Quick Stop), ma il motore centrale del film sono proprio i dialoghi, gli sproloqui, i discorsi nerd sugli appalti per la costruzione della Morte Nera. Roba che incolla allo schermo, diverte, fa fare delle risate. Il fatto che, a posteriori, il film venga visto come uno specchio di una generazione fallimentare, incapace di gestire il proprio futuro e impreparati alla vita adulta, è accompagnato da quella roba lì. E, ovviamente, la sfilza di clienti strambi che rappresentano lo spaccato della periferia del New Jersey. Perché dico a posteriori? Perché, dopo aver visionato l'intera filmografia di Kevin Smith, sono abbastanza sicuro che quello non sia mai stato il suo intento, basti pensare al motivo dietro al bianco e nero rappresentato in Clerks.

Kevin Smith è stato un adolescente che amava fare cinema e che, un giorno, annoiato dalla sua vita da commesso in quello stesso Quick Stop Groceries, ha deciso di fare un film. E, sorpresa per lui, è riuscito ad avere successo. Sono arrivati poi i film seguenti: Mallrats, Chasing Amy, Dogma e via discorrendo. Film in cui lui ha continuato con passione ed idee, accompagnato dalla sua cifra stilistica riconoscibile: lo sproloquio. Perché, mi passo una mano sulla coscienza, ma Smith non è bravo nei dialoghi, è bravo nello sproloquio. Dio me ne voglia per il personaggio di Dante Hicks (protagonista di Clerks) che, per quanto poetico e profondo, è un dito in culo, ma ritengo i personaggi più riusciti proprio quelli che hanno le idee più strampalate ed un linguaggio colorito. Per questo, sempre a mio parere, i personaggi migliori sono proprio Randall Graves, Banky Edwards e Jay. Quando Smith è arrivato a Dogma, lo ha fatto con quella sua cifra stilistica che gli ha permesso cavalcare l'onda di quel successo, e lo ha portato a collaborare con grossi attori come Alan Rickman, Salma Hayek, Bruce Willis, John Goodman e la lista non è lunga (non inserisco Affleck e Damon in quanto amici di lunga data).

Ma se i lavori di Smith fino a Dogma, pieni di ingenuità e poca profondità, gli avevano sì fatto perdere quella cifra autoriale mai più ritrovata che era presente in Clerks, ha continuato a fare film decenti, divertenti. Simpatici. Fino a Jersey Girl, dove inizia il suo lento declino.
Prima di Jersey Girl, Smith decide di chiudere definitivamente il suo View Askewniverse con il film demenziale (e davvero divertente) su Jay e Silent Bob, per provare a gettarsi nella commedia. E col suo grande amico Ben Affleck, gira una commedia su di un padre vedovo alle prese con sua figlia in un film così scontato e privo di idee che si getta facilmente nel dimenticatoio. E aveva anche un cast non indifferente, con George Carlin nei panni del padre di Affleck e Liv Tyler. Niente di tutto ciò ha salvato un film deludente, in cui Smith cerca di inserire un po' di roba controversa tra una scena e l'altra causando però un po' di confusione: che tipo di film voleva fare? Non lo sappiamo ancora. Una scena prima ci sono scene toccanti (e anche un po' prevedibili) tra un padre e una figlia, la scena immediatamente dopo si discute di sesso e pornografia. Un film dimenticabile, sì, che però sembra far capire a Smith che quella non è roba per lui. Tant'è che subito dopo torna con Clerks II, un film inutile ma tutto sommato simpatico. Smith sembra essere solo inciampato con Jersey Girl perché subito dopo gira Zack and Miri Make a Porno, commedia anche quella un po' scontata (come il titolo in italiano che spoilera tuto) ma riconoscibile nello stile di Smith. Provocatorio, non convenzionale e, sicuramente, arricchito anche dalla presenza di Seth Rogen ed Elizabeth Banks. Un film che mi sento di consigliare, oltretutto.

Poi venitemi a spiegare che diavolo è successo a Kevin Smith.
Decide di cambiare genere e si butta sul buddy cop movie con Cop Out (anche se stavolta figura solo come regista) che gli permette di lavorare col suo idolo Bruce Willis. Film dimenticabile, non spicca neanche tra i film di genere. Poi ci prova con un film un po' strano come Red State che risulta difficile identificarlo in un genere unico, e lì dirige un buon John Goodman. Ancora, non siamo ancora al declino vero e proprio di Smith. Red State è un film godibile, inaspettato e che qualcosa da raccontare ce l'ha. E soprattutto, Smith sembra voler tornare alle sue radici di filmmaker indipendente e il film raggiunge un discreto successo senza una vera e propria casa di distribuzione.
Red State ha una particolarità: ha anche delle venature horror. Sarà stato di ispirazione perché Smith decide di darsi agli horror e, onestamente, poteva anche starsi fermo. Tusk e Yoga Hosers sono due film che alla base hanno una sola cosa: una buona idea. Il resto? Un'ombra sbiadita di Kevin Smith che sembra essersi detto "mi dicevano che ero bravo con i dialoghi, allora torno a fare film con lunghi dialoghi". Eh. Anche Red State aveva scene parlate troppo confusionarie, ma mi sono accorto retroattivamente che già da lì si poteva notare la perdita di qualità nel lavoro di Smith.

Tusk è carino, ma dura troppo. Yoga Hosers vuole essere un film strano con personaggi strani, ma è una roba inguardabile ed atroce e nemmeno voglio perdere tempo ad argomentare perché sia un film stupido e inguardabile. Dirò solo che come punto di forza, sia Tusk che Yoga Hosers ha un Johnny Depp in un ruolo strano e ben caratterizzato. I due film, tra l'altro, si spostano letteralmente dal New Jersey al Canada e lungi da me, anche stavolta, rimarcare come abbia reso i canadesi fin troppo caricaturali. Questi, infine, dovevano far parte di una trilogia di horror canadesi. Il terzo, Moose Jaw, non si sa ancora che fine abbia fatto.

Dopo queste due atrocità mostruose, torna inspiegabilmente con il sequel su Jay e Silent Bob con Jay and Silent Bob Reboot, dove non solo ricalca scena per scena il primo film, l'intera roba è una manovra nostalgica dei precedenti lavori di Smith, con la sua pretesa (RIUSCITA MALISSIMO!) di voler fare una satira sui reboot cinematografici. Risultato? Un film che non fa nemmeno ridere, pieno zeppo di cameo e la conferma che, inesorabilmente e senza alcun diritto di replica, Kevin Smith dichiara apertamente che non è più capace di fare film. Già in Yoga Hosers si era vista la sua vena nostalgica e la sua tendenza all'autocitazionismo (ovviamente, citazioni solo di Clerks), e in Jay and Silent Bob Reboot sembra una lettera d'amore scritta a sé stesso. Un film che perde l'anima demenziale e diventa inspiegabilmente un'opera nostalgica per far pensare a quanto fosse bravo prima e che, cazzo, adesso Kevin Smith è diventato un papà responsabile e ha smesso di essere quella persona irriverente che era prima. E se non bastasse, passatemi l'insulto, ma quel gran figlio di puttana bastardo decide ance di riprendere il personaggio di Holden McNeal (interpretato da Ben Affleck e protagonista di Chasing Amy), dargli una conclusione e inserire una battuta inerente alle critiche, arrivate a posteriori (!) su Chasing Amy, ammettendo che "era solo un maschio etero CIS che scriveva di lesbiche in maniera sbagliata". Da inserire nel manuale "Come essere intellettualmente disonesti". Ciliegina sulla torta, in quella scena Silent Bob (che è interpretato da sempre da lui stesso) annuisce accettando la critica. La morte intellettuale arriva con Jay and Silent Bob Reboot e quella scena è l'ultima manciata di terreno sulla sua stessa tomba.

Clerks III e il ritorno al Quick Stop Groceries.
Tra Jay and Silent Bob Reboot e Clerks III ci passa di mezzo un altro horror a budget bassissimo, KillRoy Was Here. Non mi va di parlarne, se vale come recensione. Un film così brutto che tra un'ora lo avrò dimenticato.
Se il suo penultimo film sia stato un'intera nostalgia act, per dirla all'inglese, Smith diventa così nostalgico e offuscato dall'ombra di sé stesso dei tempi che furono, che decide di riprendere Clerks e lo rende così, purtroppo, una trilogia. Davvero non saprei nemmeno da dove iniziare con le critiche. Passi rivedere quei personaggi ormai invecchiati e rimasti congelati nel tempo, ma davvero Smith ha deciso che fosse stata una buona idea ritornare così indietro alle sue origini, solo per ricordare a sé stesso perché ha iniziato a fare film? Domanda retorica, perché per lui era una cosa da fare sul serio. Un film estremamente personale, destinato ad un pubblico limitato: i suoi fan, i suoi amici e sé stesso. Inserire una battuta nel film come "smettila di improvvisare, non sei mica Seth fucking Rogen" è proprio la conferma di ciò che ha voluto fare Smith - d'altronde, che ne sapevamo noi che Rogen improvvisasse sul set di Zack and Miri se non ce lo avessi detto tu nel tuo podcast?
Con Clerks III, Kevin Smith dimostra che le sue idee sono esaurite, che è invecchiato così tanto che nemmeno i suoi lunghi dialoghi ormai sono un punto di forza perché ormai sono sproloqui inutili che parlano solo per il fanatico che lo ha seguito per tutta la sua carriera. E se siamo ancora fiduciosi che questi ultimi film possano essere una scivolata come con Jersey Girl, il regista del New Jersey ci dà l'ultima conferma che ormai è invecchiato e vive nel passato.
È il 2024 e presenta The 4:30 Movie, un film ambientato nel 1986 in cui tre amici in età adolescenziale, bazzicano un cinema del New Jersey per tutto il pomeriggio mentre nel frattempo, il protagonista, ha organizzato una prima uscita con la ragazza che gli piace. Questa, è una storia vera però. Romanzata, per carità, ma lo stesso Smith ha ammesso che voleva raccontare una storia estremamente personale che gli era veramente accaduta e che rispecchiava la facilità con cui viveva in quegli anni, tra primi amori e passione per il cinema. Sulla carta è un film carino, niente di che ma carino. Per un nostalgico. Per chi segue Smith, non può fare a meno di notare come sia una brutta scopiazzatura di Mallrats (ha persino scene simbologicamente e anche come messa in scena molto simili tra loro). E il film si chiude sull'inquadratura di quel maledetto Quick Stop Groceries, dove è nato il Kevin Smith regista.
Io chiuderei con un "ma vaffanculo", ma forse sono troppo duro e critico.

In definitiva.
Dopo questo lungo viaggio attraverso la filmografia di Kevin Smith, ne sono uscito cambiato. E, purtroppo, non come il cinema dovrebbe fare. Sono cambiato perché mi trovo a riflettere sulle effettive capacità di un uomo che ha inseguito il suo sogno fino alla fine e che, forse, non era così tanto talentuoso come credeva che fosse. Da scrittore (per hobby, almeno) quale sono anche io, vedere Kevin Smith come autore di successo dovrebbe essere d'ispirazione e invece mi causa l'effetto opposto. Per carità, parliamo di un uomo che piangeva in diretta su Facebook dopo aver visto l'ultimo film Marvel o il finale della serie TV The Flash, secondo me siamo molto diversi da questo punto di vista. Ma concettualmente, ecco, riprendendo le parole di un mio amico "Caserta e il New Jersey non sono città chissà quanto diverse" mi rendo conto che vedere che una persona, con un briciolo di talento e il sogno di fare cinema, potrebbe essere d'ispirazione. Ma il tempo passa per tutti, la nostalgia prende chiunque. E sicuramente, dopo il suo infarto, Kevin Smith ha iniziato a guardare la vita da un punto di vista differente. Ma da fruitore, da amante del cinema e da chi è cresciuto con le sue commedia, fa veramente male vedere un declino così inesorabile. Credo che il fondo lo abbia già toccato, artisticamente parlando. Mi sarebbe piaciuto parlare di lui come quello che ha iniziato a fare film, che ha avuto la possibilità di lavorare con grandi attori di fama internazionale e il suo idolo dei film action e che, inspiegabilmente, all'improvviso, ha smesso di fare film.

Ma vedere un over cinquatenne fare podcast e parlare tutto il tempo di sé, parlare di fumetti e dimostrare che non è (e forse non è mai stato) un grande amante di fumetti come diceva e per di più fare film in cui, non solo inizia a citare sé stesso ma inizia ad autocelebrarsi, dà abbastanza fastidio e mette nella posiziona di giudicare retroattivamente in maniera negativa suoi vecchi film, dovendo persino ammettere che, forse, Clerks, non era poi 'sto granché.

Ma sto straparlando, d'altronde sono un Randall Graves anche io, con le mie opinioni forti.
La mia fortuna è che non ricerco figure da idolatrare e punti di riferimento da seguire.
Da oggi, vedendo Kevin Smith, imparerò a non dare per scontato chi, a novant'anni, regala ancora capolavori del cinema.

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Chasing Amy

 

In questa noia autunnale, noia prettamente mentale, ho dedicato un po' di tempo ad alcuni rewatch, particolarmente alla filmografia di Kevin Smith, un regista sul quale avrei molto da dire e che per farla breve, il mio parere oggi si riassumerebbe in una volta era bravo, ora no. Rimando la questione ad un futuro prossimo, ma voglio agganciarmi a questo pensiero proprio perché proprio riguardando alcuni dei suoi lavori recenti mi sono imbattuto in alcune critiche su quello che, a mio parere, sia il secondo film più riuscito del regista del New Jersey, Chasing Amy (secondo, ovviamente, solo a Clerks).

Procedo, come sempre, a narrare prima della trama, prima di proseguire alle mie argomentazioni.

La storia, in breve.
Holden McNeal e Banky Edwards(Ben Affleck e Jason Lee) sono due fumettisti che stanno raggiungendo l'apice del loro successo con il loro fumetto Bluntman and Chronic, basati su due personaggi di loro conoscenza, nonché loro spacciatori (e già conosciuti in Clerks) Jay e Silent Bob (Jason Mewes e Kevin Smith). Durante una convention di fumetti, fanno la conoscenza di Alyssa Jones (Joey Lauren Adams), anche lei fumettista. Holden se ne innamora perdutamente solo per scoprire poi che Alyssa è lesbica. I due intraprendono un rapporto idilliaco che passa dall'amicizia pura fino ad un amore romantico, rovinato, però, dalla rivelazione sul passato di Alyssa che fa crollare tutte le convinzioni di Holden su Alyssa e porta, infine, ad un dramma vero e proprio che si ripercuote sulla sua stessa persona.

Considerazioni.
Un po' la trama contiene spoiler, lo so. Il bello di questo film, a mio parere, è scoprirlo poco alla volta. Ad ogni modo, Chasing Amy non è semplicemente un film romantico, è un film che parla di fragilità maschile tradotta in stupidità e ottusità. Un film che racconta principalmente l'incapacità di un uomo di accettare una sessualità e un'esperienza sentimentale che non riesce a ricondurre alle proprie categorie mentali.

Come detto in partenza, ho sentito la necessità di parlare di Chasing Amy a seguito di alcune critiche lette online, oggi nel 2026. C'è chi oggi lo etichetta come un film ingenuo, se non sbagliato. Un film che pretende di poter parlare per conto di una donna queer con una voce prettamente maschile (come alle femministe di oggi piace dire, cis etero). Descrizioni che, per quanto possa non essere d'accordo, trovo comunque valide. Se nonché, Chasing Amy è comunque un film del 1997, un'epoca dove determinati discorsi su orientamenti sessuali erano ben lontani dall'orecchio comune. Il problema che viene sottolineato è: Alyssa si presenta come una donna con un'identità lesbica ben definita, Holden è il maschio che è convinto di poterla cambiare e, per un breve periodo, ci riesce. Poi viene introdotta la presunta (anche se direi più "palese") bisessualità di Alyssa e il discorso sul suo orientamento cambia, nonostante si insista con l'etichettarla come lesbica. Ciò che, a mio parere, disturba in realtà è proprio il discorso sull'etichetta. Forse Smith fu ingenuo, nel 1997, forse davvero è una visione filtrata da un pensiero maschile tipicamente etero, ma davvero vogliamo soffermarci sulle etichette? Nel 2026, Chasing Amy potrebbe aver inserito una linea di dialogo in cui si avrebbe potuto dedurre che Alyssa fosse bisessuale se non pansessuale. E quindi? Un discorso sulle etichette non può compromettere un buon film che, comunque, nel 1997 parlava di diversità in maniera del tutto normale e non forzatamente in cui, ahimè, al giorno d'oggi sembra che tutti stiano facendo (non tutti, ovviamente, ma gran parte).

Chasing Amy non ha il focus sul personaggio di Alyssa. Ha il focus su Holden. Un uomo convinto che la sessualità, se non i rapporti in generali, seguano delle regole specifiche. Un uomo che si sente inadatto perché ha di fronte una persona che la sua identità l'ha ricercata e non l'ha data per scontato solo per un insegnamento inculcato da una società che ragiona solamente in maniera binaria. E se ciò non bastasse, il personaggio di Banky, il miglior amico di Holden, sboccato, sopra le righe e con le idee più controverse, serve come contraltare alla voce del protagonista. Lui è quella parte più schietta, più ottusa, volgare e soprattutto rumorosa che Holden trattiene. Questa è buona scrittura. Se vogliamo mandare all'aria il lavoro di un regista che, all'epoca, faceva buoni film, il discorso sulle etichette non può essere preso in considerazione. Certamente, in alcuni dialoghi si intravede molta ingenuità da parte di Smith, ma era comunque un regista/sceneggiatore che è riuscito a raccontare una storia diversa da quelle che Hollywood proponeva in quegli anni. E, ingenuità o meno, ha anche accennato un pizzico di bi-fobia, fenomeno che realmente esiste anche nelle comunità LGBTQ+.

In conclusione.
Kevin Smith, col suo terzo film della Trilogia del New Jersey, parlò di fragilità e stupidità maschile. Nient'altro. Il personaggio di Alyssa, che sia funzionale solo allo sviluppo di Holden potrebbe essere una critica valida, ma non dobbiamo dimenticarci che il focus principale era qualcos'altro. Kevin Smith, in quegli anni, era sulla cresta dell'onda: uno dei più grandi e bravi registi indipendenti americani, ha raccontato la realtà suburbana del New Jersey, di giovani disillusi incastrati in una vita che non aevano scelto, della difficoltà di entrare nell'età adulta, utilizzando un linguaggio sboccato, volgare e incorniciato da un bel po' di cultura nerd, con dei dialoghi (che sono sempre stati il punto forte di Smith) divertenti e brillanti. E nel mentre, ha costruito il primo universo condiviso cinematografico (il View Askewniverse) prima che fare universi condivisi andasse di moda. Un piccolo gioiellino cinematografico che, forse, nel 2026 non cambierà la vita, ma può far spegnere il televisore soddisfatti.

Poi, sul declino di Kevin Smith, sia cinematografico che intellettuale, possiamo riparlarne. Così come il suo autoreferenzialismo spudorato in Clerks III e Jay e Silent Bob Reboot, che tra l'altro ci mostra in maniera non necessaria il destino proprio dei personaggi di Holden e Alyssa, sono argomenti che meriterebbero un post a parte e tanti sospiri di delusione.

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Coyote vs. ACME

 

La storia dietro la distribuzione nei cinema di Coyote vs. ACME è storia risaputa. Non mi perderò in chiacchiere a spiegarne la storia travagliata che ha visto la realizzazione, poi cancellazione e poi l'acquisizione dei diritti di distribuzione di Ketchup Entertainment. Così come non spiegherò nei dettagli la trama, che si riassume pressappoco così: Will E. Coyote decide di fare causa all'ACME, marchio apparso per oltre mezzo secolo sui suoi accessori che utilizza per tentare di catturare il suo acerrimo rivale Road Runner, che per decenni gli ha inviato solo prodotti non funzionanti; rappresentato dal suo avvocato Kevin Avery (Will Forte), sfida legalmente il colosso. Tutto qui, il resto è una scoperta per lo spettatore.

Avevo molto hype per questo film, le aspettative forse erano alte ma posso dire con il cuore rilassato che non sono state tradite. Coyote vs. ACME è un film ricco di idee, fantasia e soprattutto amore per ciò che i cari vecchi Looney Tunes ci hanno (forse) voluto raccontare da sempre: le situazioni possono letteralmente esploderti in faccia, si può fallire, si può anche riderne, ma l'importante è rialzarsi e continuare a riprovare. Inconsciamente, credo che una parte di Will E. Coyote sia sempre stata dentro di me, la sua tenacia, la sua testardaggine, la sua fame (letterale e metaforica) possono essere di ispirazione, in una vita dove sono sempre i più deboli a subire e i forti, quelli incravattati e al potere, a vincere. Che il fallimento non avviene necessariamente per la propria incapacità, ma perché fuori c'è un mondo che sembra essere costruito per farci fallire.

Può sembrare una retorica trita e ritrita, forse un po' spicciola, ma è questo il vero cuore di Coyote vs. ACME, quello che alle apparenze è solo un filmetto per famiglie, con qualche risata facile. Un film che ricostruisce alla perfezione lo spirito dei cartoni animati, dove ci si fa male e ci si rialza, dove il mondo si piega alla fantasia. Quest'ultima parte ne è anche la forza principale del film, ogni scena d'azione o assurda è piegata alla fantasia pura, idee semplici che riescono a risultare geniali (come un fucile che spara uova e schivarne i "proiettili" chiudendoli in un freezer).

Un plauso, per me, va anche a John Cena che si rivela un performer eccezionale, nel ruolo di un cattivo che a primo impatto non sembrerebbe scritto per lui ma che interpreta alla perfezione. La sua capacità di non prendersi sul serio è un punto di forza, perché sembra riuscirgli naturale, il dialogo tra lui e Titti ne è la riprova (consiglio di vederla in originale).

Piccolo fun fact: il personaggio di Pepé Le Pew (la puzzola che parla francese, per intenderci) nel corso degli anni è stato vittima di controversie. Mettiamola così: un personaggio invecchiato male, così male che è stato quasi del tutto cancellato. Non faccio spoiler, ma il suo cameo è quello che mi ha fatto veramente ridere di più, in tutto il film.

In definitiva.
Che dire? Coyote vs. ACME è la dimostrazione che, con idee solide, originali e piene di fantasia alla base, anche uno stupido film che sulla carta è solo un altro "film coi cartoni" può riuscire. Perché a volte basta non sforzarsi neanche troppo per trovare le idee, tipo leggere un articolo di giornale ironico (Coyote v. ACME era il titolo di un articolo apparso sul The New Yorker nel 1990). Oh, e un altro punto di forza è il pubblico a cui  si rivolge, ossia gli sfigati, i falliti, parlando loro senza romanticizzare troppo il fallimento, "messaggio" tipico della scrittura di James Gunn, che ne ha co-scritto il soggetto.

Altro da aggiungere?
That's all, Folks!

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I Saw the TV Glow

 

Parlare di sentirsi intrappolato in una vita, o in un corpo, non proprio, non è propriamente facile. Non perché sia impossibile trattare l'argomento, bensì far arrivare al pubblico quelle esatte emozioni è un qualcosa di pressoché arduo, perché nessuno in verità riesce davvero a comprenderlo fino in fondo. Chi ci riesce bene è Jane Schoenbrun con I Saw the TV Glow (titolo in italiano Ho visto la TV brillare). Una storia dai tratti horror, drammatica, straziante, che parla di disforia di genere (e non solo) con un linguaggio emotivo forte accompagnata da una fotografia che, nel caso non fosse già chiaro, rende visivamente palese ciò di cui si parla.
Prendiamoci una piccola pausa e parliamo del film.

La storia, in breve.
Anno 1996, Owen e Maddy sono due adolescenti che hanno in comune la passione per una serie TV trasmessa il sabato sera dalle 22:30 alle 23: The Pink Opaque. La serie TV parla di due amiche che combattono il mostro della settimana, inviato dalla loro nemesi, Mr. Melancholy, che vive sulla luna. Maddy ha un'ossessione particolare per questa serie TV, confonde la vita reale da quella della fiction ed è convinta che anche Owen ne faccia parte. La successiva scomparsa di Maddy coincide con la chiusura alla quinta stagione della serie TV. Owen prosegue la sua vita, fin quando Maddy fa il suo ritorno ancora ossessionata dalla serie TV. Da quel momento, la connessione di Owen alla serie TV si fa sempre più forte e la realtà e quella della serie TV cominciano a mescolarsi.

La storia è pressoché questa. Parlare di come l'intero film sia una grossa metafora della disforia di genere è inutile, perché solo guardandolo può arrivare ciò che Schoenbrun vuole raccontare. Disforia di genere, ovviamente, è una chiave di lettura. Il film è anche, e soprattutto, un film che vuole invogliare a vivere seguendo sé stessi, non secondo le regole di chi, dall'alto (rappresentato da Mr. Melancholy) giudica e vi impone uno stile di vita che può non appartenervi.

Un film che, inoltre, racconta di come da piccoli vediamo il mondo con occhi differenti e percepiamo le cose in maniera amplificata. Una serie TV scadente può apparire a un bambino come qualcosa di magnifico, di molto più profondo di quanto sia in realtà, perché riesce a trasmettergli qualcosa di vero riguardo alla propria identità. E di come il potere di chi impone agli altri il proprio modo di vivere possa condizionare l'individuo, fino a portarlo a reprimere sé stesso.

Il tutto, infine, accompagnato da una fotografia che ricalca due linee cromatiche: il blu e i colori della bandiera trans, rappresentati attraverso le luci al neon.

Le mie sensazioni.

I Saw the TV Glow non è un film horror classico, non si muove seguendo linee narrative standard. E dovrò essere onesto, di base un film del genere io lo terrei alla larga. Non mi piacciono film in cui la narrazione è completamente sacrificata al senso del film, diventando completamente e unicamente metaforico. Ma qui, si fa l'eccezione. Sarà la regia, la fotografia, la bravura degli attori (di Owen, soprattutto, interpretato da Justice Smith), ma questa roba rimane incollata addosso. Personalmente, ho percepito durante tutta la durata del film un senso di oppressione, sono stato male. E credo che sia questa la vera forza del cinema. E, per fortuna, Jane Schoenbrun ci riesce alla grande.

Sarei potuto star qui a sottolineare di quanto non mi piacciano film sacrificati al "messaggio" e ai dialoghi che secondo me sarebbero potuti essere un po' limati, ma sai che vi dico? Sticazzi. Se tutti i film parlassero con lo stesso linguaggio di I Saw the TV Glow, si potrebbe essere più permissivi.

Consigliato a chi è interessato all'argomento ma anche ai nostalgici degli anni '90, a chi è cresciuto con serie discutibili ma formative, come Buffy, X-Files e compagnia bella.

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The Drama - Un segreto è per sempre

 

Avete mai visto un film con ottime premesse, restare delusi già a metà film, sperare che le cose prendano una piega interessante e, più si va avanti, più la delusione è in crescendo? Beh, se volete vivere questa esperienza mistica, vi consiglio di guardare The Drama, film del 2026 scritto e diretto da Kristoffer Borgli, regista svedese classe 1985 che fa questa esperienza nel cinema americano, con due ottimi attori, adattandosi perfettamente alla loro cultura dell'approssimazione fatta di banalità, politicamente corretto e prosciutto sugli occhi.

Sì, ho spoilerato già dall'inizio cosa penso di questo film, ma non fa niente. Non voglio invogliare nessuno a guardarlo, piuttosto esprimere le mie perplessità riguardanti il film. Come ho detto, The Drama ha un ottimo cast di protagonisti, Robert Pattinson e Zendaya, due attori che a mio parere col tempo hanno dato delle ottime prove attoriali. Ma lì dove un film è scritto con i piedi, non va fino in fondo negli argomenti messi sul tavolo per poi cadere nei soliti cliché da drama americano, il cast fa ben poco a salvare un'opera. Ma andiamo con calma, raccontiamo un po' il film riempendoci di spoiler.

Il film, in breve.
Charlie ed Emma sono prossimi al matrimonio. La loro è una storia d'amore che sembra partire molto teneramente, al limite del film d'amore americano: lei è seduta in un bar leggendo un libro, lui si avvicina a lei fingendo di aver letto quel libro, lei magicamente ci sta e hanno un primo appuntamento. E lui subito ammette di non aver mai letto quel libro, che era una scusa per avvicinarsi a lei. Lei ci passa sopra e, a quanto pare, stanno per sposarsi. Durante una cena con i testimoni del matrimonio, viene fuori un gioco: dite la cosa peggiore che avete mai fatto in vita vostra. Charlie racconta di aver cyberbullizzato un ragazzino a quattordici anni, Emma invece parla di come, al liceo, portò un fucile a scuola dopo aver organizzato un'uccisione di massa. Il gesto, tuttavia, non viene compiuto in quanto quello stesso giorno avviene un'altra sparatoria in città, in un centro commerciale, vanificando i tentativi. La damigella di Emma, Rachel, resta indignata in quanto sua cugina è rimasta paralizzata proprio in seguito ad una sparatoria di massa al college.
Charlie comincia a dubitare di Emma, comincia a credere di non aver conosciuto chi fosse veramente la donna che stava per sposare e il rapporto tra i due, poco alla volta, si incrina. Lei è onesta con lui, racconta persino di come, dopo l'evento, fu trascinata dai compagni di scuola in alcune manifestazioni diventando poi attivista contro le armi da fuoco. Per quanto Charlie tenti di difendere Emma, questa notizia sembra aver incrinato il loro rapporto. Prova persino a chiavarsi la wedding planner, ma non va fino in fondo. Poi, al matrimonio, sputtana tutto e i fatti vengono fuori perché lui è un pesce a brodo e si piglia pure un cazzotto in faccia dal compagno della wedding planner perché il genio, in presa ad una crisi, ammette pure il tentativo di cornificazione.
Scena successiva, lui da solo in un diner ed Emma che lo segue e prosegue il loro gioco fittizio, ripreso sia dal loro primo incontro che a metà film del "facciamo finta che ci stiamo conoscendo per la prima volta". E vissero insieme felici e contenti.

Un po' di idee sparse.
Due cose ha di buono questo film: raccontare in breve, sin dall'inizio, com'è il rapporto tra Charlie ed Emma: piccole verità scomode che vengono a galla perché sono onesti l'uno con l'altro. L'altra è la scena in cui Emma, da giovane, sta cercando di registrare un video che giustifica le proprie azioni e gli aggiornamenti di Windows continuano a disturbare la registrazione. E basta, tutto qua.
Sarò onesto, non sono tipo da trailer ma questo mi era capitato e mi aveva dato vibes a-là Perfetti Sconosciuti, cosa che ovviamente non è neanche lontanamente paragonabile a The Drama. Ora, c'è da mettere sul piatto il piano culturale. Io, italiano, non vivo davvero con il peso del fenomeno delle sparatorie nei college, non accade nel mio paese quindi non la vivo sicuramente alla stessa maniera. Metto le mani davanti in quanto il peso culturale può fare la differenza. Dal punto di vista umano, però, trovo impensabile le reazioni dei personaggi. Capisco che la cosa sia sconvolgente. Cazzo, la stava pianificando, aveva addirittura portato un fucile a scuola! E l'unico motivo per cui non lo ha fatto è stato perché ce n'era stata una, quello stesso giorno, dall'altro lato della città. L'unica persona che ha una reazione un po' più comprensibile è quella della damigella, forse esagerata anche lì ma tutto sommato umanamente comprensibile. La reazione di Charlie e del suo amico (barra testimone di nozze) no. Soprattutto quando Emma resta sincera con lui.

Ma dove la storia fa acqua da tutte le parti sta proprio sulle motivazioni che spingono Emma. Non vengono date. Vengono accennata l'isolamento e il bullismo, ma in poche frasi. Quindi, voleva ammazzare mezzo liceo e poi suicidarsi. Perché? Il film non indaga sullo stato mentale di Emma. Vengono fatte delle congetture a riguardo, ma sono appunto congetture e non vanno da nessuna parte. Mettere in risalto maggiormente che Emma venisse bullizzata (online o offline) avrebbe avuto molo più senso e, anzi, avrebbe dato più drammaticità al rapporto tra lei e Charlie. Ricordate che lui ammette che ha cyberbullizzato un ragazzino a quattordici anni? Viene liquidata con un "ahaha ma dai avevi quattordici anni!". Io boh. Un bel contrasto tra bullo e bullizzato mostrando fin dove porta a spingere una persona vittima di bullismo sarebbe stato mooooolto più interessante nelle dinamiche di una coppia prossima al matrimonio, e ne sarebbe venuto fuori veramente un dramma degno del titolo.
E invece no. Un'ora e quaranta di drammi passabili, il povero Charlie che impazzisce... e veniva dipinto come una persona intelligente. Non abbastanza da dire "vabbè, che periodo di merda hai avuto, però dai sei cambiata, hai fatto pure attivismo, sei troppo figa" a quanto pare.
Era molto meglio la solita americanata banale delle corna e far finire il matrimonio in una scazzottata, a quanto pare.

Sembra proprio che Borgli volesse parlare di un argomento scomodo, approfittando della commedia romantica per mettere sul piatto questioni socialmente spinose e politiche, ma lui non è Dalton Trumbo e non è un film romantico con Marilyn o Audrey, quindi niente da fare.

Verdetto finale: se non sapete cosa vedere una di queste sere, portate a pisciare il cane.
O fate una passeggiata, se non avete il cane. Nessuno darà indietro il tempo perso a guardare 'sta roba.

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Thelma

Se dovessi dire di aver visto Thelma con la consapevolezza di cosa stessi per andare a guardare, mentirei. Mi aveva attratto la locandina, sapevo poco e niente della trama, non guardo nemmeno i trailer, però, per una visione di un film a cuor leggero mi sono lasciato trasportare e, dovrò essere onesto: mi aspettavo una cacata. E invece...

Thelma è un film del 2024 scritto e diretto da Josh Margolin con quello che è stato il suo lungometraggio di debutto. Il soggetto, sempre da lui stesso ideato, prende spunto dalla sua vita stessa, la vera Thelma, sua nonna. Il film è dedicato proprio a lei e il personaggio di Thelma, interpretato da June Squibb, è ispirato interamente alla sua figura.

La trama, in breve.
Thelma è una simpatica nonnina di 93 anni rimasta vedova e accudita dal nipote Danny. Un giorno, riceve una telefonata presumibilmente dallo stesso nipote, che le dice di essere in carcere e di aver bisogno di diecimila dollari per pagare la cauzione. Thelma, apprensiva, paga questi soldi. E se stavate pensando ad un probabile scam... è esattamente quello che è successo. Indispettita e sentendosi in colpa di quanto accaduto, decide di trovare chi l'ha imbrogliata e riprendersi i soldi. E sì, il film è davvero tutto qui.

Thelma lo classificherei come film d'azione. Un film d'azione senile, per l'appunto, in cui l'azione frenetica è praticamente sostituita da movimenti lenti e impacciati di una novantatreenne. Un film d'azione che sembra voler parodiare il genere ma non lo fa davvero nelle intenzioni. Perché, al di là della gag a-là Mission: Impossible ma con una vecchietta al posto di Ethan Hunt, Thelma non è una roba che vuole essere "la parodia di". È una storia sulla paura di invecchiare, di quella di essere trattati come incapaci e sul desiderio di voler dimostrare di essere padroni della propria vita. Ma soprattutto, è una lettera d'amore di un nipote verso sua nonna, una donna che nonostante la sua età, era ancora capace di stupirsi e trovare meraviglia nel mondo.

Consiglio Thelma per una visione leggera, in cui si riesce sia a ridere che ad essere toccati emotivamente. Personalmente, non è una cosa che succede spesso quando guardo un film da solo, ritrovarmi a ridere ad alta voce. L'ho fatto. E non solo. Mi sono anche commosso, e la vera forza, per me, sta proprio qui. Non nel riuscirci soltanto nel finale, ma per tutta la durata del film, sempre in modo genuino e naturale. D'altronde, come detto, il personaggio di Thelma è ispirato alla vera nonna del regista e, se questo film ha un'anima, è proprio quella della vera Thelma che Margolin ha voluto condividere con noi.

Per concludere, c'è assolutamente da segnalare la presenza di Richard Roundtree, conosciuto per lo storico ruolo di John Shaft. E vedere l'eroe di Shaft interpretare un anziano che ha ormai accettato l'idea di essere invecchiato e di non essere più al suo apice, ha quasi il sapore di un suo ultimo saluto al cinema.

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Hostile

 

Il sottotitolo di questa recensione potrebbe essere: L'importanza di dover parlare di qualcosa e come toppare nel tentativo.

Hostile è un film del 2017 diretto da Mathieu Turi, genere horror, nazionalità francese. Gli interpreti, o almeno quelli che ci interessa sapere sono Brittany Ashworth nel ruolo di Juliette e Grégory Fitoussi in quello di Jack, i due protagonisti attorno alla quale gira attorno questa insensata tanto problematica storia d'amore. Ma andiamo in ordine, ci saranno spoiler, vi ho avvertiti.

La storia.

Hostile si muove in due linee temporali: quella ambientata in un futuro post-apocalittico e quella precedente agli eventi che hanno portato il mondo al collasso. Nel futuro c'è ben poco da raccontare. Juliette è in giro a fare scorte quando finisce fuori strada, finendo ferita, e braccata da una creatura, probabilmente infetti che infestano questo mondo. Il film spiega a malapena cosa sia successo, ma va bene così perché la vera e propria storia viene raccontata a frammenti ed è tutta ambientata nel passato.
Juliette, in un giorno di pioggia, trova riparo in una galleria d'arte dove incontra Jack, autore della mostra. Dopo uno scambio di battute pessime, i due trovano non si sa come del feeling e finiscono a passare tutta la notte assieme, persino a casa di lui, a parlare senza nemmeno sapere i loro nomi. Juliette, presa da non si sa cosa, scappa via e sembra che i due non siano destinati a incontrarsi mai più. E INVECE. Jack vede Juliette in un ristorante, poi decide di seguirla fino a casa. Quello che scopre (sì, stalkerandola) è che probabilmente Juliette si prostituisce e fa uso di eroina. La storia d'amore si sposta poi al classico del "io ti salverò" e i due finiscono in questa relazione. Fast-forward, mentre Juliette nel futuro cerca di sopravvivere alla creatura, ci viene mostrato che Jack e Juliette hanno preso casa, Jack vuole dei bambini e Juliette, più avanti, dà alla luce un bambino morto.
La tragedia distrugge entrambi, Jack finisce per attribuire la colpa al passato da tossicodipendente di Juliette, sostenendo che sia quella la causa della morte del bambino.
I due si separano, poi un impianto chimico ha una perdita e Jack finisce nel mezzo. Scena dopo, lui in ospedale, l'epidemia è iniziata e presumibilmente è l'ultima volta che si sono visti.
Si ritorna al futuro post-apocalittico dove Juliette riesce infine ad avere la meglio sulla creatura che l'ha inseguita per tutta la notte. Perfetto. Doveva soltanto sopravvivere fino all'alba, quando sarebbero arrivati i soccorsi, e ce l'ha fatta. Invece il film tira fuori una svolta narrativa che lascia piuttosto perplessi: quella creatura è Jack. Ridotto a mostro, si trascina fino a lei, si accascia sul suo petto, Juliette gli sussurra "Jack, ti amo" e i due si sparano all'alba. Fine.

Non penso di averlo spiegato una merda.
Il film è, grosso modo, una merda. Sicuramente c'è di peggio lì fuori, ma la storia è tutta qui. Passiamo alle note dolenti.

La mia considerazione.
Come ho specificato in apertura, il cinema, secondo me, funziona meglio quando usa una storia come pretesto per raccontare altro, che sia una condizione o dinamiche relazionali. In questo caso abbiamo un horror post-apocalittico con mostri e atmosfere alla Mad Max, ma il film sembra voler raccontare soprattutto una storia d'amore. Il problema non è l'idea. Il problema è come viene raccontata.
Ho voluto ripercorrere tutta la trama proprio per evidenziarne le criticità. Riassumiamo il rapporto tra Jack e Juliette: si conoscono, passano una notte insieme senza sapere nemmeno i rispettivi nomi, Juliette sparisce, lui insiste, la ritrova, la segue fino a casa, scopre il suo passato, decide che sarà lui a salvarla, vanno a convivere, desidera un figlio, Juliette perde il bambino e lui finisce per darle la colpa. Come se non bastasse, trasformato in mostro, torna ad attaccarla proprio nel momento in cui lei è più vulnerabile.
Messa così, sembra la storia di un rapporto tossico. E questo, di per sé, non sarebbe nemmeno un problema. Il problema è che il film sembra trattare quella relazione come qualcosa di profondamente romantico, senza fermarsi davvero a riflettere sulle sue dinamiche più problematiche. Di Juliette sappiamo pochissimo al di fuori del suo passato da tossicodipendente e della relazione con Jack; la sua emancipazione, il suo punto di vista e la sua libertà finiscono sempre in secondo piano rispetto al ruolo di lui, convinto di poterla salvare. Più che una storia d'amore, mi è sembrata la classica fantasia del "I can fix her", arrivando a romanticizzare l'insistenza di Jack e sorvolando persino sulla cosa terribile che questo presunto uomo perfetto e romantico dice alla sua "amata" incolpando il suo passato per l'aborto appena avvenuto, appiattendo di fatto il personaggio di lei che, rispondendo all'allontanamento di lui che afferma "devo schiarirmi le idee", afferma dal nulla "devi schiarirti le idee o svuotarti le palle?". Inutile dire che non v'è traccia di una presunta infedeltà di Jack in questo racconto.

In definitiva.
Il problema non è nemmeno scegliere se parlare d'amore o di dipendenza. Il problema è che Hostile sembra voler affrontare entrambe le cose senza approfondirne davvero nessuna. Ne esce un film narrativamente debole, confuso nelle sue intenzioni e incapace di dare forza ai temi che prova a mettere sul tavolo.
Salvo soltanto il trucco della creatura, realizzato davvero molto bene. Per il resto, il mio falegname con trentamila lire la faceva meglio, per citare il trio.

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Strange Darling

Se un film potesse essere premiato per la semplicità, Strange Darling vincerebbe a mani basse. E non è una cosa negativa. Scritto e diretto da JT Mollner, Strange Darling è un film del 2023 che ha una trama così semplice che si potrebbe riassumere in: una donna sta scappando da un uomo che la vuole uccidere. Tutto qui. Nient'altro.

O meglio, c'è assolutamente dell'altro, ma l'incipit è già di per sé quanto basta per far capire che dietro Strange Darling c'è un lavoro così semplice che dire qualsiasi altra cosa è superfluo. Il montaggio fa la differenza, il modo in cui è narrato pure. Una storia in sei capitoli raccontati fuori ordine cronologico per un'ora e mezza di film che, poco alla volta, rivela qualche informazione in più che fino alla fine fa chiedere allo spettatore "ok, ma come diavolo ci siamo arrivati qui?". Potente. Ben fatto. La dimostrazione che la semplicità è la chiave vincente. Perché, se fosse stato raccontato dal capitolo 1 al capitolo 6 in ordine cronologico, ci si accorgerebbe che è di una semplicità unica. Il punto forte è proprio quella narrazione frammentata che riesce a mantenere viva l'attenzione.

I due attori protagonisti sono Willa Fitzgerald (la Donna) e Kyle Gallner (il Demone), nomi che già lasciano intendere quanto il film scelga di presentarci i suoi personaggi in maniera essenziale, quasi archetipica. Strange Darling è la dimostrazione che si può costruire un thriller anche partendo da una storia che di intricato non ha nulla, il mistero è solo dietro la struttura narrativa. È il punto di vista dello spettatore, il pregiudizio se vogliamo, e la capacità narrativa di offrire ogni volta il punto di vista dell'uno e dell'altro nel tentativo di fottere lo spettatore e lasciarlo con degli interrogativi.

Ma non c'è da elogiarne soltanto la struttura narrativa, la prova attoriale non è da meno. Willa Fitzgerald è magistrale, in questo ruolo. I suoi ultimi cinque minuti sullo schermo sono da brividi, per citare un mio amico attore "è il riassunto del lavoro attoriale di chi sa fare il mestiere". Quando vedrete il film sfido chiunque a non essere d'accordo.

Strange Darling è, per me che ho la passione per la scrittura, una fonte di ispirazione, qualcosa da cui si può solamente attingere e imparare. Perché le idee semplici sono le più forti, bisogna solo saperle raccontare.

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Colossal

Un film di cui mi preme tantissimo parlare è Colossal, scritto e diretto da Nacho Vigalondo con protagonisti Anne Hathaway e Jason Sudeikis. Uscito nel 2016, il film ha avuto un budget di 15 milioni e ne ha incassati solo 4 e mezzo, non proprio un successone. Ma non stiamo troppo a guardare gli incassi, di quelli a me frega ben poco. Colossal è uno di quei film che a mio parere meritano almeno una visione all'anno, non perché sia un film di quelli che cambiano la vita, ma perché rappresenta una piacevole boccata d'aria fresca in un panorama cinematografico ormai saturo di franchise, remake e sequel. Un soggetto originale, divertente e capace di usare una premessa assurda per raccontare qualcosa di profondamente umano.

La trama, in breve.
Gloria è una ragazza disoccupata, festaiola e con problemi di alcolismo. Dopo essere stata lasciata e cacciata di casa dal suo ragazzo, Tim, torna nella casa in cui è cresciuta, nel suo paese natale, dove riallaccia i rapporti con Oscar, un vecchio amico d'infanzia. Contemporaneamente, un evento soprannaturale sconvolge il mondo: ogni giorno alle 20:03 un gigantesco kaiju compare a Seoul. In qualche modo, però, quel mostro sembra essere collegato proprio a Gloria. Come? Quello lo lascio scoprire a voi.

L'idea alla base di Colossal è una delle più originali che mi sia capitato di vedere negli ultimi anni. Molti film sui kaiju hanno utilizzato mostri e robottoni come metafora di paure collettive o questioni politiche e sociali: basti pensare alla paura del nucleare che ha dato origine a Godzilla o alle letture sul colonialismo di Mothra. Colossal, invece, sceglie una strada diversa. Il mostro non è semplicemente una minaccia da abbattere né il pretesto per mettere in scena una guerra tra eserciti. Diventa il riflesso dei suoi protagonisti.

È proprio qui che il film riesce a sorprendere. Attraverso questa premessa surreale, Vigalondo racconta dipendenza, manipolazione, bisogno di controllo, fragilità emotiva, senso di colpa e autodistruzione. Il legame tra Gloria e il kaiju non serve tanto a spiegare un mistero, quanto a mettere la protagonista davanti alle conseguenze delle proprie azioni e ai suoi demoni interiori. Senza rinunciare all'umorismo e all'assurdità della situazione, Colossal parla più di persone che di mostri. E il finale? Non voglio spoilerare nulla, ma è qualcosa che non tradisce il tono e quanto raccontato fino a quel momento.

In un periodo in cui il cinema d'intrattenimento tende spesso a riproporre formule già viste, Colossal riesce ancora oggi a distinguersi. Non so dirvi se sia uno di quei film destinati a cambiarvi la vita. So però che è uno di quei titoli che, quando non so cosa guardare, rimetto volentieri senza pensarci due volte.

In conclusione.

Negli ultimi anni gli americani, col MonsterVerse, hanno anche rotto tre quarti di minchia. Anche il Giappone continua giustamente a reinventare Godzilla, ma il rischio di vedere sempre le stesse dinamiche è dietro l'angolo, che siano monologhi politici o scazzottate tra mostri. Colossal, invece, prende un genere che sembrava aver detto tutto e lo piega a qualcosa di completamente diverso. Non rinuncia al divertimento, non rinuncia ai kaiju, ma li usa per raccontare persone, relazioni e fragilità.

E per questo, almeno secondo me, resta un piccolo gioiello ingiustamente sottovalutato.

Buona visione

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La Fine di Oak Street

Prima di partire, qualche riga per celebrare il mio ritorno (spero di nuovo più attivo) tra le pagine di questo blog. Devo dire che mi è mancato. Porto dietro tanti ricordi, sono passati ormai otto anni dall'ultimo post, "periodi belli di una volta" in cui avevo tanto tempo libero e tanto più desiderio di scovare film quasi sconosciuti e la santissima pazienza di guardarmi film atrocemente brutti, di quelli che se li guardi un giovane regista muore (grazie al cielo non ho mai ucciso Ari Aster).

Tante cose sono successe, dal 2018. Una pandemia, il dominio dei governi di destra in gran parte del mondo, Donald Trump, l'ascesa delle IA e l'apice e la caduta (per fortuna) del "cinema" Marvel. Anche i miei gusti sono cambiati. E spero di non essere tanto arrugginito nella stesura di una recensione.

E qui mi ricollego ai gusti. Sì, non sono quelli di otto anni fa. Ma sarebbe stato un ritonro in grande stile recensendo l'Odissea di Christopher Nolan? Col cazzo! Tra le tante cose che amo, in questo mondo, i dinosauri e i viaggi nel tempo occupano sicuramente i primi posti. Ce ne sarebbe una terza, che fortunatamente il film che andrò a recensire ha: Anne Hathaway. Ma i dinosauri, gente, hanno sempre un posto nel mio cuore.

In una stagione estiva stranamente ricca (almeno in Italia) di gran bei film nel palinsesto cinematografico, la mia curiosità, per i motivi sopra citati, è caduta su La Fine di Oak Street, film scritto e diretto da David Robert Mitchell. Un film senza tante pretese, se non per gridare davanti allo schermo "cazzo, guarda, uno stegosauro!". Mitchell è arrivato al grande pubblico dopo il tanto apprezzato It Follows, teen horror cupo - una roba completamente diversa da questa qua - e sicuramente ha avuto la possibilità di poter mettere su un potenziale blockbuster visti alcuni fattori: un budget che si aggira attorno ai 90 milioni di dollari, un cast non proprio di seconde scelte (Ewan McGregor e Anne Hathaway) e, ovviamente, i dinosauri che quelli non stancano mai. Ma se ne è valsa la pena, ci arriviamo con calma.

Partiamo con una breve panoramica, senza dilungarci troppo.
Siamo nel 1982. I Platt vengono presentati come una tipica famiglia borghese, peccato però che sin dall'inizio vengono mostrate delle crepe. Greg e Denise sembrano avere problemi e cercano di tenere all'oscuro i propri figli, Audrey e Brian, di tali tensioni. Greg fa il fattorino delle pizze, Denise scrive segretamente un romanzo nello scantinato. I figli, fanno cose da figli: Brian ha problemi con i bulli e ama alla follia il suo cane, Audrey è appassionata di scienze e non vede l'ora di andare al college. Dopo questa premessa, dei wormhole si manifestano in tutto il quartiere e tutta Oak Street (dove è ambientato il film) viene catapultato nel Mesozoico. E da qui in poi, I DINOSAURI!

La trama è pressoché semplice e lineare. Come ho già detto, sembra non avere tante pretese nonostante provi a mettere della carne a cuocere approfittando dell'intrattenimento per poter parlare di altro, in questo caso le tensioni familiari. Ho detto "prova", perché la tematica c'è, ma non è chissà quanto esplorata. Sembra quasi buttata lì per darci qualcosa da raccontare mentre vediamo un po' di gente inseguita e sbranata dai Coelophysis (qualcuno aveva pensato Velociraptor, e invece no).
La cosa indubbiamente più apprezzabile del film, è l'accuratezza scientifica - e qui parte il mio lato edonista. Sopra ho specificato che vengono spediti nel Mesozoico, non è che il film ce lo dica, ma ce lo fa capire con le specie di dinosauri che vengono mostrati (per i più curiosi, su Dinopedia c'è una sezione dedicata ai dinosauri presenti nel film) e, ovviamente, c'è anche una accuratezza sulla ricostruzione anatomica secondo le attuale conoscenze dei dinosauri - con piume, alcuni peli, eccetera.

Insomma, da un lato, The End of Oak Street ha qualcosa che mi fa godere e mi avrebbe potuto addirittura portato a mandare a quel paese Jurassic Park per il semplice gusto di dire una cosa controcorrente e inimicarmi amici e parenti alle cene, ma dall'altra... eh. Una grandissima occasione sprecata.

Non voglio fare il nerd della situazione, ma quando si toccano i viaggi nel tempo, ci sono alcune regole da seguire. E se fai di testa tua, per darci il finale confettoso e felice, bisogna prendersi la responsabilità di andare fino in fondo con le proprie scelte di trama e almeno mostrare le conseguenze di alcune azioni. Stiamo parlando del finale. Mi presenti questa situazione come una sorta di loop temporale, ma quello che mi mostri genera una contraddizione che il film non risolve. Se mi crei un paradosso, devi spiegarlo bene e andare fino in fondo alla questione. Non uno spiegone, anche una semplice scena - magari una di quelle post-credit che vanno tanto di moda negli ultimi vent'anni. Ma ho come l'impressione che questo grandissimo buco di trama sia la diretta conseguenza del "lieto fine" che ci hanno propinato. Forse un film con un budget medio-alto ha alle spalle i classici produttori che non capiscono una mazza e fanno fare scelte discutibili ai registi. Congetture. Chi può dirlo. Fatto sta che il film intrattiene fin quando non arriva a quel finale che lascia più interrogativi che risposte. E pensare che io stavo accettando senza alcun problema la presenza random di un wormhole in Nord-America. Vabbè.

In conclusione.
Reputo La Fine di Oak Street un'enorme occasione sprecata. Il potenziale per diventare un piccolo cult, magari nel futuro, ce l'aveva, ma viene sfumato per essersi misurato poco la palla e non essere andato fino in fondo con quel tono scanzonato e sopra le righe, che è comunque presente per metà del film. Sfido Spielberg a mostrare dei dinosauri chiavare e cacare sul grande schermo. Mitchell l'ha fatto. E ha anche messo in scena scene atroci, in cui vediamo i nostri protagonisti scappare mentre attorno a loro la gente viene sbranata e muore in maniera violenta. E poi ha l'umorismo, quello che funziona però. Ha due attori bravissimi e che funzionano tantissimo insieme... peccato per quel finale. Un finale che è capace di far tirare fuori anche altre critiche, forse pure peggiori. Sto parlando di sottotrame inutili (Brian con i bulli, Audrey completamente inutile, Jeanette a che diavolo servivi?) e quel pretesto di raccontare dinamiche familiari che non va da nessuna parte se non verso un finale inutilmente zuccheroso, o meglio, costruito molto superficialmente.
Sì, tutta colpa di aver creato un paradosso temporale anziché un loop. Fino a un attimo prima ridevo per un Camarasauro cacare e mi emozionavo per la coda di un Ankylosauro (nella top 3 dei miei dino preferiti) e quello dopo, mi innervosivo perché la sospensione dell'incredulità era finita per aver creato un finale senza senso.

Voto finale: Peccato.
Il film aveva creato delle regole narrative abbastanza solide da farmi accettare qualsiasi stronzata, poi le ha violate proprio per arrivare al lieto fine.

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Il Lato Oscuro del Cannolo

Guido lontano dalle luci e dal casino della festa. Stasera neanche m’andava di uscire, stare in mezzo agli altri, fingendo interesse nel conoscere nuova gente. In realtà, mi andrebbe di scrivere ma neanche quello mi riesce quindi avevo pensato sticazzi. Mi sono trascinato lì, ho bevuto un calice di vino, mangiato un rustico e sono rimasto a fissare una ragazza per tutto il tempo, fino a deprimermi al punto che me ne sono andato. Ho il blocco dello scrittore e per giunta una leggera misantropia che mi porta a pensare che tutti siano delle grandissime facce di cazzo. Ma sì, torniamocene a casa, che me ne fotte di tutto il resto. Leggerò un libro, guarderò una puntata, sigaretta, pugnetta e buonanotte.

Faccio il famoso curvone, quello che imbocca sul sottopasso e mi porta dritto a casa, ma appena svolto mi ritrovo davanti un cannolo gigante piazzato proprio al centro strada.

Penso, ok che caspita è ‘sta roba? Mi fermo e scendo dall’auto, mi ci avvicino e tutto ciò a cui penso non è neanche che cosa ci fa un cannolo qui in mezzo ma che cazzo ho fumato? No, penso nulla di strano, ho anche smesso da un po’. Forse era il rustico… quella torta alla crema di funghi… vuoi vedere che qualche stronzo ci ha messo un allucinogeno, lì in mezzo?

Ma poi a chi cazzo viene un’idea del genere? Ma poi dico, lasciarla lì a disposizione di tutti? Ma questi sono scemi? Va beh, penso. Magari può pure essere qualcos’altro, fatto sta che qualsiasi sia la spiegazione, ora c’è un fottuto cannolo gigante e vorrà pur significare qualcosa, no?

Mentre mi perdo nei miei pensieri, sento una voce che mi ricorda tanto un cartone Disney, di tanti anni fa. È tardi, è tardi! No, vabbè.

Ma non è il Bianconiglio, assomiglia più a una zoccola, cioè a un topo di fogna… però indossa anche lui un panciotto! È su due zampe e ha in mano un orologio. Resto fermo a osservarlo e la mia capacità di razionalizzare si annulla del tutto. Poi quella zoc… cioè, il topo (Biantopino! mi corregge) prende e mi intima di seguirlo. Ti perderai la festa, aggiunge mentre svanisce all’interno del cannolo.

Scuoto la testa e realizzo che, droga o non droga, a ‘sto punto voglio sapere fin dove possa spingersi ‘sta cazzata e decido di seguirlo (poi magari dopo questa, smetterò di drogarmi).

Oltrepassare il cannolo è una sensazione inspiegabile, è come attraversare una normalissima porta, ma il cambio di temperatura è repentino. Di fronte a me c’è un enorme spazio bianco che mi regala una forte sensazione di vuoto. Mi giro e mi rendo conto che non c’è una parete, sono bloccato qui, perfetto. In più, non c’è traccia del Biantopino.

Mi incammino, ignorando tutte le sensazioni negative che quel posto mi trasmette, fin quando in lontananza vedo una luce e del verde… oh, è una casetta! Che cliché allucinante, comunque m’avvicino e, una volta superata la piccola recinzione, apro la porta d’ingresso, che è aperta.

C’è nessuno? – no, non lo dico. Perché dovrei farlo? Ok, forse in questa grossa allucinazione sto commettendo violazione di domicilio, o male che vada sono ancora alla festa e chissà ‘sta droga come mi mostrerebbe due esseri umani che scopano.

Purtroppo niente di tutto questo, solo un odore di pasticceria e un bimbo chino con la testa sul tavolo, intento a disegnare. Mi ci avvicino piano, senza far rumore, poi guardo in volto il bambino e… no, dai. Sono io! Sono io a 11 anni, non può essere!

Ora riconosco anche il posto, questa è casa di mia nonna e… sì, ricordo anche come ne restavo sempre in disparte, a disegnare o a leggere un fumetto! È come guardare i propri ricordi attraverso un filmato, assurdo!

Mi avvicino a… me stesso?… giusto per vedere cosa sto disegnando, con un entusiasmo quasi fanciullesco, ma poi noto una cosa abbastanza strana. Mentre disegno con la mano destra, quella sinistra è sotto il tavolo, che si agita e… Dio, forse era meglio non vederlo!

Sono abbastanza sicuro che quelle cose, a casa di nonna, non le ho mai fatte… a 11 anni, poi! Faccio due passi indietro, schifato, poi alle spalle ecco che sbuca mia nonna.

Ho un colpo al cuore: è esattamente come la ricordavo e mi rendo conto che un po’ mi manca. La vedo posare un cannolo sul tavolo, accanto ai miei disegni, poi accarezza la testa al me bambino che ignora totalmente il gesto e continua a disegnare e a farsi la sega.

Poi nonna scompare alle mie spalle, così come l’intera casetta. Restiamo solo io, il tavolo e il giovane falegname, impegnato a disegnare. Ah, e il cannolo.

Mi avvicino al disegno, non che voglia toglierglielo di mano, per mera curiosità, ma la peste mi colpisce la mano con la matita e mi procura un taglio.

Il sangue schizza sul cannolo e su tutti i disegni, non è normale che una matita tagli in questo modo e, infatti, noto con sommo piacere che quello che ha in mano non è più una matita ma un coltello e il bimbo non è più seduto al tavolo ma è in piedi, di fronte a me. Sempre col cazzo in mano, sia mai perdesse il record mondiale.

Gli urlo un paio di insulti a caso, che neanche riesco a sentire, poi abbasso lo sguardo e gli fotto i disegni, così impara! Però non deve averla presa bene, perché alza il coltello minaccioso e mi si avvicina. D’istinto indietreggio e faccio pure bene perché quello comincia ad aumentare il passo ed eccomi che mi ritrovo a scappare da un bimbo psicopatico e pugnettaro che vuole uccidermi.

Fuggo più veloce che posso ma quello non demorde, poi di fronte a me si palesa… che cazzo c’entra Darth Vader, adesso?! Quello pure ci si mette ad agitare la spada laser e, vaffanculo, ma che razza di trip è dove vedi solo gente che ti vuole ammazzare?!

Fuggo via, nell’immenso spazio bianco, cercando di scappare al me undicenne a Darth Vader, alle navi spaziali dell’Impero, a pterodattili, nani con l’ascia, orchi, draghi, le SS, un tornado di squali, ma che cazzo è!

Poi una voce dall’alto: Quassù, presto! e a ‘sto punto m’aspetto di trovare Indiana Jones quando mi arrampico su quella corda.

Quindi mi ritrovo in uno spazio immensamente oscuro, la figura nell’ombra resta indistinta fin quando una luce soffusa lo illumina; non è Dio ma quasi: è Neil Gaiman!

Il trip ha preso una svolta inaspettata. Mentre dalla botola da cui sono salito intravedo battaglioni spaziali e personaggi dei fumetti farsi la guerra, sono su una soffitta con Neil Gaiman!

Sei nel Lato Oscuro del Cannolo, mi dice mentre penso quanto sia figo sia lui che la situazione. Poi realizzo che quel “Lato Oscuro” sia posizionato tra la pasta del cannolo e la ricotta.

Mentre sorrido come un ebete, mi mostra con un cenno della mano una TV dove mi mostra la stessa scena di poco fa nella casetta con nonna, solo che stavolta è un ricordo reale. Ci sono io, con la testa china sui disegni e la nonna che mi porta un cannolo, che prontamente ignoro. La stessa scena si ripete in diverse occasioni, in diversi momenti della mia vita. A 11 anni, poi 12, 16… poi nonna non c’è più.

E non hai mai assaggiato il cannolo, mi dice Neil Gaiman. Ha ragione, non l’ho mai fatto, ma tutto questo cosa c’entra con questo trip?

Neil fa un nuovo gesto con la mano, indicando stavolta la mia, quella in cui ho ancora i disegni che ho rubato al me stesso bambino. Quei disegni, anche se orribili, rappresentano dinosauri, navi spaziali, Darth Vader. Ok, ma non risponde alla domanda.

A cosa pensavi, prima di ritrovarti qui? mi chiede. Io scuoto le spalle e realizzo che pensavo al mio blocco, al non riuscire a scrivere.

Neil mi guarda, come se s’aspettasse dell’altro. Io mi giro, guardo verso la botola, dove al piano di sotto vedo il me undicenne ancora col cazzo in mano e rispondo alzando lo sguardo verso il cielo… eh, alla ragazza che ho fissato per tutta la sera.

Neil Gaiman sembra soddisfatto, mi sorride e sparisce nell’oscurità lasciandomi da solo, nel Lato Oscuro accanto alla botola dove al di sotto non c’è più nessuno. Poi un pezzo del soffitto, cioè la pasta, cade e una luce colpisce terra. Non ho bisogno di affacciarmi, riconosco che al di sopra c’è la festa, quella da cui sono scappato stasera.

Riabbasso lo sguardo e di fronte a me ritrovo il Biantopino accanto ad un cannolo.

Non ritorni alla festa? mi chiede. Nah, non ancora.

Non so che cazzo sia, se un allucinazione o addirittura sia in coma (non lo escludo). Dio solo sa se posso fidarmi a mangiare quel cannolo. Chi se ne fotte. Me lo mangio e me ne resto qui ancora per un po’, poi potrò ritornare alla festa.

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Verónica

Dopo mesi di silenzio, dovuta anche agli impegni portati dalla sponsorizzazione del mio libro (nel caso ve lo foste perso), torno a parlare di film horror tra le pagine dell'Oblivion Bar.

Seppur nei mesi passati non ho disdegnato l'interesse verso film più a portata di mano, come The Bye Bye Man o Auguri per la tua morte, la mia attenzione ricade sempre verso quei film apparentemente di nicchia, dico apparente perché Verónica tanto di nicchia non è, o almeno trovati un po' a caso e non distribuiti in Italia.

Il film di cui andrò a parlare oggi è di origine spagnola, scritto e diretto da Paco Plaza, conosciuto dai più per la trilogia di [REC] e, diciamocelo, già affermato regista di qualità. Come al solito, la mia recensione non vuole essere troppo pretenziosa - ribadiamo che sono le opinioni di un semplice appassionato e non di un cinefilo con vasta conoscenza del settore. Chiarito questo, passiamo alla consueta presentazione della pellicola.

Il film si apre con la premessa che i fatti narrati sono tratti da una storia vera, almeno secondo il rapporto di un ispettore incaricato ad indagare ad uno dei misteriosi omicidi avvenuti nel 1991 in un quartiere di Madrid. Verónica è una quindicenne che vive sola con le sue due sorelle gemelle e il fratello minore, cui accudisce in quanto la madre è perennemente occupata a lavorare nel bar di sua gestione. Durante una giornata di scuola, all'insaputa delle suore, organizza con le sue amiche una sessione spiritica con una tavola Ouija per parlare con il suo padre, deceduto anni prima, ma qualcosa va storto ed evocano una oscura presenza che s'insidierà nella vita di Verónica.

Detto così, sembra la tipica trama scontata, trita e ritrita nel genere horror.

Forse un po' lo è, ma Verónica sa bene distinguersi dalla massa innanzitutto per una regia impeccabile e ben curata, così come la fotografia, e da un cast sì composto da ragazzine alcune addirittura al loro debutto, ma veramente capaci (soprattutto una delle due gemelle, nella scena finale... da brividi). Ma il punto di forza di Verónica qual è, a mio avviso? Il fulcro centrale della narrazione, il non soffermarsi alla semplicistica visione "ragazzine vivono con degli spiriti nella casa/t'oh, un jumpscare", ma il volersi soffermare sull'aspetto psicologico della protagonista. Qui mi verrebbe da spoilerare il finale, ma no... non lo farò, sebbene abbia una gran voglia di parlarne.

In definitiva.

Verónica è un film horror che fa onore al genere. Ben strutturato, anche se con qualche pecca di esecuzione nel finale (ahimè, non è perfetto) ma una introspezione psicologica che salva l'intero lavoro, rendendolo interessante, nonché coinvolgente sia perché i personaggi sono scritti veramente bene, sia grazie alle eccellenti interpretazioni degli attori coinvolti. Verónica, in sostanza, parla dei deliri adolescenziali di una quindicenne intrappolata in un mondo di fantasia perché non ancora cresciuta del tutto, indicherei anche una sottile critica sociale che sono riuscito a ricondurre solo grazie ad una intervista fatta al regista che, anziché riportare, preferisco rimandare al link.

Un 2017 più che buono per l'horror, che di base è un genere abbastanza bistrattato, ma che grazie a registi come in questo caso Paco Plaza, si sta riscattando a dovere. L'horror visto da un'ottica più introspettiva, interiorizzato, che tratta il paranormale non come banalissimo espediente per regalare jumpscare gratuiti ma per narrare effettivamente qualcosa (qui il passaggio all'età adolescenziale) è il genere di horror che a me piace e di cui penso la cinematografia abbia bisogno. Più volte ci siamo ritrovati davanti a film horror che sanno spaventare, addirittura anche risultare divertenti, ma film che raccontano qualcosa negli ultimi tempi sembravano davvero essere rari.

Se dovessi dare un voto a Veronica, darei un 8/10 perché penalizzato da un finale che, secondo me, è stato eseguito male nonostante fosse azzeccato e sensato. Un peccato, perché per me sarebbe stato un 10 pieno. Consigliatissimo, da vedere agli appassionati del genere sicuramente, allo spettatore occasionale sperando non sia tra quelli così esigenti da non sapere neanche quali siano le proprie esigenze.

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